Jaque Mate

Fotografía: Chema Madoz



Fragmento de la película "El lado oscuro del corazón", ya nombrada en este, mi rincón.
Tema: Algo contigo

La verdad está en la sombra

El tercer hombre (1949), película dirigida por Carol Reed.

Fue rodada en London Film Studios (Shepperton, Inglaterra) y los exteriores en Austria. Galardonada con el Gran Premio del Festival de Cannes y con el Oscar a la mejor fotografía en blanco y negro (Robert Krasker), además de estar nominada en las categorías de mejor director (Carol Reed) y mejor montaje (Oswald Hafenrichter).

Sus principales protagonistas son Orson Welles, Joseph Cotten, Alida Valli y Trevor Howard.

Aunque a Graham Greene (uno de los guionistas de la película) se le propuso desde el primer momento una película ambientada en la Viena de posguerra, con la firme presencia de las cuatro potencias ocupantes, Greene tuvo en un primer momento que escribirlo en forma de novela, única manera, según él, de planificar mejor el guión. Luego, fue reelaborado en conjunto por Greene y Alexander Korda, asegurando el primero que la versión de la película era claramente mejor que la del libro (incluyendo el final, que es distinto), el cual, sin embargo, fue editado de todas maneras, y es también un clásico de la literatura.

La aportación de ideas de Orson Welles a Carol Reed en la película parece evidente. Welles tuvo problemas con sus producciones en Hollywood y decidió dar el salto a Europa donde dirigió y colaboró en diferentes proyectos, entre ellos éste de Carol Reed. Su primera aparición en pantalla (el movimiento de una lámpara que muestra a Harry Lime ante la sorprendida cara de Cotten) ha sido considerada como la mejor presentación de un personaje en la historia del cine. Por otro lado, tampoco se tiene que olvidar la persecución en los alcantarillados de Viena, donde la película alcanza su cenit ante la excelente actuación de Welles.

Envuelta en una inolvidable banda sonora firmada por Anton Karas, inolvidable aparición de Orson Welles entre las sombras e inolvidable su discurso sobre los Borgias y el reloj de cuco. Un clásico incomparable de la historia del cine.

También es de destacar la fotografía en blanco y negro y los exteriores seleccionados, que muestran diversas facetas de Viena, la hermosa capital austríaca a orillas del Danubio, como la archiconocida noria gigante del Prater (donde tiene lugar el encuentro entre los dos protagonistas masculinos.

Por todo ello, la película fue considerada la mejor película británica de la historia del cine.

Vídeo con un pequeño aperitivo y no por ello de poca importancia; Orson Welles realiza su discurso sobre los Borgias y El reloj de cuco.

Bon profit!

Suspense magistral

Fotografía: Albert Watson

"La duración de una película debe estar directamente relacionada con la resistencia de la vejiga humana". Alfred Hitchcock

Alfred Hitchcock, director de cine británico nacionalizado estadounidense nace en 1899. Hijo de un carnicero, cursó estudios en el Colegio de San Ignacio y, posteriormente, en la Universidad de Londres, donde estudió ingeniería. En 1920 empezó a trabajar en la industria cinematográfica, primero como publicista para la Paramount y pronto como guionista y ayudante de dirección. En 1925 se trasladó a Alemania, donde tuvo la oportunidad de trabajar como ayudante de dirección en los estudios UFA y entrar en contacto con el expresionismo alemán, un género del que siempre se consideró deudor.

Tras regresar al Reino Unido, en 1929 rodó Blackmail, filme que se convirtió en el primer éxito del cine sonoro inglés; títulos como El hombre que sabía demasiado (1934) o 39 escalones (1935), de bien trabada trama policíaca, atrajeron la atención de David O. Selznick, quien lo contrató en 1940 para trabajar en Hollywood.

Su primer filme allí, Rebeca, fue un éxito rotundo tanto de crítica como de público. A partir de este momento y durante las tres décadas siguientes, dirigió películas en Hollywood a razón de una por año, reservándose en todas ellas una breve aparición (cameo), siempre sin diálogo. Sus argumentos giraron a menudo alrededor de tramas policíacas o de espionaje, siempre con un dominio absoluto del suspense.

Si, por un lado, el tipo de argumento explica el éxito comercial de sus películas, por otro, y de acuerdo con la célebre «teoría de McGuffin», del propio Hitchcock, este suspense sirve sólo como un señuelo para captar la atención del espectador, mientras que en otro plano el filme remite a más ambiciosos contenidos psicológicos, como en Marnie la ladrona, religiosos, como en Yo confieso, o incluso metafísicos, como en Los pájaros, cuyo simbolismo ha dado pie a múltiples interpretaciones.

El virtuosismo de Hitchcock se hace también evidente en el manejo de la cámara, de gran inventiva y audacia, y en el montaje, extremadamente fragmentado y estudiado en ocasiones, como en la conocidísima escena del asesinato en la ducha de Psicosis, cuyo rodaje costó casi una semana entera y en la cual se agolpan multitud de secuencias en brevísimo tiempo.

Cierta leyenda negra de Hollywood afirma que en su relación con los actores era áspero y despótico, y también fue muy criticada su fijación con respecto a las mujeres rubias de aspecto más o menos asexuado, modelo de la mayoría de sus protagonistas femeninas.

A partir de 1948 se convirtió en su propio productor, y desde los inicios de la década de 1950 pudo contar con elevados presupuestos y con los mejores actores y actrices de Hollywood, alcanzada ya la fama internacional. Más tarde quiso recrudecer los argumentos y dotarlos de mayores dosis de suspense, aunque hubo ciertas excepciones, como fueron Cortina rasgada (1966) y Topaz (1969), de temática anticomunista, que no tuvieron tanto éxito. Todas las películas de Hitchcock llevan el sello particular de su estilo, cuya influencia ha llegado a muchos otros directores, entre ellos algunos miembros de la nouvelle vague, como Truffaut y Godard.

Alfred Hitchcock fallece en 1980.

Video de la gran escena del film Psicosis (1960)

Con lágrimas ardientes quemándome el rostro

Fotografía perteneciente a la película "El lado oscuro del corazón"

" La subo sobre mí y, mientras las cuerdas me resuenan en los oídos; la habitación está obscura y la alfombra pegajosa con el kümmel derramado por todas partes. De pronto, parece como si se acercara la autora: es como agua arremolinándose sobre el hielo y el hielo está azul con la bruma que se alza, glaciares hundidos en verde esmeralda, gamuza y antílope, meros dorados, morsas retozando y el ambarino lucio saltando sobre el círculo ártico… Elsa está sentada en mis rodillas. Sus ojos son como ombligos diminutos. Miro su enorme boca, tan húmeda y brillante, y la cubro con la mía.
(...)
No tengo dinero, ni recursos, ni esperanzas. Soy el hombre más feliz del mundo. Hace un año, hace seis meses, pensaba que era un artista. Ya no lo pienso, lo soy. Todo lo que era literatura se ha desprendido de mí. Ya no hay más libros que escribir, gracias a Dios. Entonces, ¿qué es esto? Esto no es un libro. Es un libelo, una calumnia. El mundo es un cáncer que se devora a sí mismo.
(...)
Hacía sólo unos días que se había agarrado a mí desesperadamente, y después algo ocurrió, algo que ni siquiera está claro para mí ahora, y por su propia voluntad subió al tren y me volvió a mirar con esa sonrisa triste y enigmática que me desconcierta, que es injusta, forzada, de la que desconfío con toda mi alma. Y ahora soy yo, parado a la sombra del viaducto, quien tiendo los brazos hacia ella desesperadamente y en mis labios aparece esa misma sonrisa inexplicable, esa máscara que he colocado sobre mi pena. Puedo quedarme aquí parado y sonreír inexpresivamente, y por fervorosas que sean mis plegarias, por desesperado que sea mi anhelo, hay un océano enre nosotros; ella seguirá allí en la miseria, y yo caminaré aquí de una calle a otra, con lágrimas ardientes quemándome el rostro. "

Fragmento del libro "Trópico de Cáncer" (1934)
Autor: Henry Miller

París Piaf

Edith Piaf nació el 19 de diciembre de 1915 en el patio de la comisaría del barrio Belleville, de París. Su padre era Jean Gassion, un acróbata y su madre una cantante italiana que deambulaba por los cafés de París.

Fue la mujer que más calificativos tuvo, el más conocido “El Pequeño Gorrión de París”.

Edith se convierte en una especie de icono parisino y en la musa de los existencialistas. En la década de 1950, Piaf era famosa en muchos países. El público norteamericano la consagró en 1956 en el Carnegie Hall de Nueva York.

Su vida sentimental no estuvo acompañada por la buena suerte, pero su mirada profunda jamás dejó de reflejar su pasión por la música.

Fallece el 10 de octubre de 1963, aunque oficialmente su muerte es anunicada el 11 de octubre, el mismo día en que muere su amigo y artista Jean Cocteau. Su entierro tiene lugar en el cementerio Père Lachaise, en París, con el homenaje de una inmensa multitud de admiradores. Charles Aznavour, cantante, declaró que desde la Segunda Guerra Mundial no se había detenido de esa manera el tráfico de toda la ciudad.

De extraordinaria personalidad, Édith Piaf sigue siendo una de las cantantes francesas más conocidas en el mundo. Además, dió a conocer con gran éxito a muchos cantantes franceses.

El Museo Edith Piaf, dedicado a su memoria, se encuentra en la calle Crespin du Gast, en el distrito XI de París.

Video con una de sus grandes canciones: "La vie en rose"

Cámara y ... Acción !!!

Fotografía: uno de los primeros carteles de la historia del cine, donde lo importante no es la película que se proyecta sino el propio invento, el cinematógrafo francés

Cinema Paradiso(1988) fue dirigida por Giuseppe Tornatore. Esta película ganó el Óscar a la mejor película en lengua no inglesa de 1989 y el Globo de Oro en la misma categoría. También ganó el premio especial del jurado del Festival de Cine de Cannes del mismo año.

La película es un largo homenaje al género cinematrográfico. Narra la historia de un respetado director de cine que vuelve a su antiguo pueblo siciliano para acudir al funeral de su viejo amigo Alfredo, el antiguo proyeccionista del cine Nuovo Cinema Paradiso y también artífice de su pasión por el cine en su infancia y juventud. La película constituye un retrato sentimental de la Italia de la posguerra y una declaración de amor al cine.

La cinta tiene una historia conmovedora, que se apoya fuertemente en un formidable manejo de la fotografía y sonido. Además, es un homenaje al cine antiguo (pues hay decenas de referencias en imágenes y diálogos, desde Jean Renoir hasta Charles Chaplin)… pero ante todo, es una reflexión sobre la fuerza de voluntad.

Video del final de la pelicula. Toda una joya, banda sonora incluida.

Huella imborrable

Fotografía: PAUL NEWMAN

"Hay personas que nos hablan
y ni las escuchamos;
hay personas que nos hieren
y no dejan ni cicatriz;
pero hay personas que simplemente aparecen
en nuestra vida
y nos marcan para siempre."
Autora: Cecilia Meireles

Eso es lo que has dejado tú, mi querido Paul... una huella imborrable. Gracias.

No puedo decir nada más; me faltan palabras, me sobran sentimientos.

Video tributo a Paul Newman

Humanidad en la mirada

Charles Spencer Chaplin nace en Londres en 1889. Actor, compositor, productor y director inglés alcanzó fama internacional con sus películas mudas, y es considerado uno de los grandes creadores de la historia del cine.

Se encuentra entre los más grandes actores que ha dado la historia del cine, y elevó a éste hasta la categoría de arte a partir de unas cualidades dramáticas que nadie ha podido igualar. Como otros muchos actores de su época construyó un personaje, Charlot, que fue el paradigma del ser más humano que ha dado el cine, del icono que traspasó fronteras y, todavía con los años, ha permanecido en la mente de cualquier espectador. Todo un símbolo universal de la individualidad indestructible, triunfante contra la adversidad y la persecución, tanto humana como mecánica, dándole la fama mundial como comediante y actor dramático. La universalidad de su modelo se basa en la pureza del gesto, la sencillez de la mirada y, sobre todo, en la carga de humanidad que encerró siempre en cada historia.

Durante su carrera perfeccionó un estilo personal de interpretación, derivado del payaso de circo y del mimo, combinando la elegancia acrobática, la expresividad del gesto y la elocuencia facial, con un sentido del ritmo impecable.

La llegada del cine sonoro a finales de la década de 1920 no perjudicó la efectividad de su pantomima, de la que dependía en gran parte su creación. Al mismo tiempo, comenzó a manifestar su preocupación por los problemas sociales de su época. Más tarde abandonó el papel del vagabundo para hacer personajes específicos, en una transición que marca "El gran dictador" (1940), primer filme hablado de Chaplin.

Esta pelicula fue una oportuna burla de los dictadores de aquella época, burlas que le causaron, sin embargo, enemistades entre los sectores más reaccionarios del poder estadounidense, obligándole a abandonar el país en la década de 1950, cuando la 'caza de brujas' promovida por McCarthy sembró la sospecha y la desconfianza hacia los cineastas progresistas.

El video (subtitulado) es el discurso final de “El Gran Dictador”.

Sueños de una adolescente

"Soy lo suficientemente feo y lo suficientemente bajo como para triunfar por mí mismo." Woody Allen

Woody Allen, escritor, actor y director de cine estadounidense, nació en New York, el 1 de diciembre de 1935, siendo su verdadero nombre Allan Stewart Konigsberg. A los 15 años comenzó a escribir chistes para columnistas de prensa bajo el seudónimo de Woody Allen. Más tarde escribiría para artistas de radio y televisión para después continuar con su propia carrera llegando a ser considerado como uno de los directores más respetados y prolíficos de la historia del cine.

"Sueños de un seductor"(1972) es la obra homónima de Woody Allen llevada a la pantalla por el director Herbert Ross, a petición de Allen quien decía, palabras suyas, "aún no sabía dirigir". La pieza teatral que se representó con éxito en Broadway (también conocida como "Aspirinas para tres") fue también uno de los primeros éxitos de Allen en el cine. Con referencias a muchas de las películas favoritas de Woody Allen pero sobre todo a "Casablanca" (Michael Curtiz, 1943), "Sueños de un seductor" es un primer esbozo del mundo del cineasta neoyorquino, que a partir de esta cinta dirigiría sus propias ideas.

Video del citado film donde la escena refleja, en cierta manera, mi adolescente sueño cuando fantaseaba con la figura de mi hombre ideal -y peor aún encontrarla-, toda una fusión de personalidades entre Woody Allen y Humphry Bogart.

Trauma superado por la evidencia de su no-existencia vivo con mi autoconsuelo: "Siempre me quedará París."

Sobreviviré

"Priscilla, reina del desierto", pelicula dirigida por Stephan Elliott
trata de dos Drag-Queens y una transexual que atraviesan el desierto para acudir a una oferta de trabajo en la sala de un hotel. Recorren en un ómnibus, llamado "Priscilla", las rutas australianas en una gira por pequeñas ciudades que los llevarán desde Sidney hasta Alice Springs.

Desde su estreno el año 1996, fue una película de culto y dió origen en Broadway a un musical. Ha tenido un profundo impacto en la comunidad gay. La película explora los estereotipos de gays, travestis y transexuales sin ridiculizarlos ni caricaturizarlos. Los personajes, tampoco son pecadores, antisociales, malvados, perfectos, mártires o lastimeros, sólo un grupo de amigos ganándose la vida. El desierto australiano representa un escenario poderoso y particular; es aislado, remoto, idílico y maravilloso. Hay una escena donde los hombres se topan con los aborígenes australianos y organizan una fiesta. Se muestra cómo estas dos minorías que han sido hostigadas y perseguidas se divierten sana y alegremente al son de la música.

El video muestra esa escena en la que interpretan la famosa canción "I will survive" de Gloria Gaynor. Todo un momentazo de la pelicula.

Inevitablemente Único

Tim Burton, además de ser uno de mis directores de cine predilectos también ejerce como productor de filmes, escritor y diseñador estadounidense.

Sus adaptaciones cinematográficas —principalmente caracterizadas por abordar una temática fantástica y gótica, al contar con enigmaticos personajes como protagonistas—, lo han convertido en un director popular y distintivo en el género.

Vincent(1982) es el primer cortometraje dirigido por Tim Burton, utiliza la técnica de animación stop-motion y narra la historia de un niño llamado Vincent. Vincent es tranquilo y obediente, y en sus fantasías sueña con ser su idolatrado Vincent Price, uno de los intérpretes de terror más admirados y respetados de la historia del séptimo arte. El personaje del niño está basado en el propio Burton, quien desde pequeño admiraba a Vincent Price. El niño es descrito por la voz del narrador, que es el auténtico Vincent Price, utilizando rimas que rinden claro homenaje a Edgar Allan Poe.

El cortometraje está basado en un poema que Burton escribió al estilo de los cuentos del Dr Seuss (”How the Grinch stole Christmas”, entre otros) mientras trabajaba para la factoría Disney. Burton no estaba a gusto en Disney durante esta época porque allí no le permitían desarrollar sus ídeas. Fue proyectado durante dos semanas en un cine de Los Ángeles junto con la película Tex y consiguió ganar varios premios. El cortometraje acabó en los archivos de la Disney dado que no sabían que hacer con él. Se trataba de un corto de 6 minutos en blanco y negro que no tenía más mercado que el formato de los festivales de animación. Más tarde se recuperó para proyectarlo con “Pesadilla antes de Navidad” e incorporarlo en el DVD de la misma.

Video subtitulado.

Una caricia para el corazón

" Sin ti, las emociones de hoy no serían más que la piel muerta de las de ayer "

"Amélie (título original: Le fabuleux destin d'Amélie Poulain, "El fabuloso destino de Amélie Poulain") es una película franco-alemana, del género comedia romántica estrenada en 2001. El lema de la película era "Ella cambiará tu vida..." (En francés: "Elle va te changer la vie...").

Lo menos importante de la película es el argumento. A tal punto que podría relatarse toda la historia, cada una de las pequeñas historias que componen el relato, y hasta adelantar el final y con ello la película no perdería nada de su encanto. Amélie es una película poética y como en la poesía, la verdadera historia transcurre en el corazón de los personajes más que en sus actos.

Si en algo insiste Amélie, es en el valor de las pequeñas cosas, esos pequeños placeres de lo cotidiano a los que a veces no se presta la suficiente atención. Por eso cada nuevo personaje que entra en la escena es precedido por una descripción de las cosas que le gustan y desagradan. Pequeñas cosas, que de alguna manera componen el Universo del personaje. La fantasía, o mejor dicho, la capacidad de fantasear es otro de los valores que se destacan en Amélie.

Un tercer aspecto a destacar de Amélie es su carácter metafórico. Bellas metáforas adornan muchas de las escenas. Una cajita que se transforma en símbolo de la niñez perdida.

Excelente sobre todo la actriz que interpreta a Amélie, Audrey Tautou, que con sus gestos y miradas le da un carácter muy especial al personaje, sobre todo cuando mira directo al foco de la cámara, como buscando la complicidad del espectador e invitándolo a entrar a su mundo. En ocasiones recuerda a Chaplin.

Y por supuesto la fotografía, que nos muestra los rincones más bellos de París, pero sin excederse, teniendo como fondo una excelente banda sonora de Yann Tiersen.

Amélie es, más que una comedia romántica, una fábula sobre el amor y la posibilidad de hacer el bien."

Toda una caricia para el corazón. Su banda sonora una delicia.

La hipocresía de la censura

Eyes Wide Shut en la versión original (inglés) y en España y Ojos bien cerrados en Hispanoamérica, es la última película del director Stanley Kubrick, estrenada en 1999. Película póstuma de Kubrick, que murió pocos días después de acabar el montaje definitivo. Basada en la novela Relato soñado de Arthur Schnitzler, el guión fue escrito por Kubrick y Frederic Raphael, adaptándolo al Nueva York contemporáneo.

Fue controvertida la inclusión de escenas eróticas muy atrevidas, principalmente las de orgía en una mansión. Algunos planos de desnudo integral amenazaban con dar a la película la calificación X en EE. UU., lo que implicaba un previsible fracaso comercial. Kubrick se resistió a autocensurarse, si bien finalmente se distribuyeron dos versiones de la película: la destinada a EE. UU. era algo más breve en las escenas de sexo y se recurrió a trucos infográficos (interponiendo siluetas humanas) para tapar ciertas desnudeces.

Ver y opinar, aquí no hay cabida para la censura.